El virtuoso guitarrista Paul Gilbert vuelve a sorprender con WROC, un álbum tan eléctrico como inesperado, inspirado en las Rules of Civility de George Washington y grabado prácticamente en directo junto a su banda. Lejos de los tópicos del rock, Gilbert convierte las normas de cortesía, el comportamiento y la convivencia en materia sonora, sin renunciar a la energía, la creatividad y la búsqueda constante de nuevos caminos musicales.
En esta entrevista, Paul Gilbert nos habla del origen casi accidental del disco, de cómo encontró en un antiguo libro la chispa creativa para componer, de su relación actual con la guitarra, del aprendizaje continuo tras décadas de carrera y del equilibrio entre innovar y respetar aquello que el público ama. Una conversación cercana y honesta con un músico que sigue explorando, arriesgando y disfrutando cada nota como el primer día.
Primero de todo muchas gracias por tu tiempo, por estar aquí y por tu atención.
De nada, gracias a ti.
Encantada de conocerte. Vamos a estar hablando de tu nuevo álbum, WROC, que se estrena el 27 de febrero, pero por ahora ya hay tres singles publicados que la gente puede escuchar – If You Soak Bread in the Sauce, Go Not Thither y Show Not Yourself Glad (At the Misfortune of Another).
Sí, hay tres canciones ya publicadas.
¿Qué nos puedes contar sobre el disco como descripción general?
Canto y toco la guitarra, y ya he hecho muchos álbumes en los que canto y toco la guitarra. Estaba buscando algo sobre lo que cantar y se me ocurrió esta idea loca de cantar sobre las reglas de cortesía que salen de este libro, que es “George Washington’s Rules of Civility” [las reglas de cortesía de George Washington]. Leí este libro hace décadas y me olvidé un poco sobre él, y no sé por qué me acordé de él, pero acababa de terminar la gira de Mr Big del año pasado, estaba volando de vuelta y pensaba “¿qué voy a hacer?” y de alguna forma este libro me vino a la cabeza, así que me pregunté si podría convertirlo en letras.
Es una idea muy creativa.
Sí, porque esto se escribió hace 500 años en Francia y luego se tradujo al inglés. Son reglas de etiqueta, de cómo comportarse mejor en la mesa, así que no es una temática habitual en el rock n’ roll, pero creo que eso es lo que me gusta de esto. Normalmente el rock n’ roll tiene letras como “nada va a pararme”, “voy a luchar” o cosas así, pero esto es sobre cómo llevarte bien con la gente. Así que lo intenté, llegué a casa, le eché un vistazo al libro, y justo la canción que ha salido hoy, Show Not Yourself Glad (At the Misfortune of Another) fue la primera canción que intenté y me lo pasé muy bien escribiéndola. Pensé “vale, yo lo he disfrutado, pero me pregunto si al resto de la gente le va a gustar”, así que llamé a Timmer Blakely para tocar el bajo y Doug Rappoport la guitarra. Les dije que vinieran, les enseñé mi idea y les dije de probarlo a ver qué tal sonaba, y pareció que se lo pasaban bien, así que seguimos adelante. No sé si se lo dije a la discográfica, creo que directamente terminé el disco y se lo di, pero afortunadamente les gustó.
Es genial, porque es muy experimental hablar de estos temas, que como has mencionado no son muy comunes en en el rock y en este estilo de música, y creo que es bastante original cantar sobre eso. ¿Por qué decidiste cantar para este disco?
Creo que cogí mucha confianza en la gira de Mr Big, porque tiene muchas voces, y aunque yo no sea el cantante principal, me lo pasé bien cantando las armonías. Haciendo las pruebas de sonido normalmente hacía de vocalista principal porque Eric [Martin] estaba descansando la voz, así que yo cantaba algunas covers, me empecé a sentir mejor con respecto a mi voz y dije “le voy a dar una oportunidad”. Por supuesto, al componer mis propias canciones puedo ajustarlo a mi rango y a mi tono, y eso suele salir bastante bien.
Entiendo que al componer tus propias letras sale de forma natural cantarlas tú mismo. Si pudieras describir este disco con una sola palabra ¿cuál sería?
Bueno, por supuesto el título, WROC. Hace un buen trabajo porque describe el estilo de la música (rock), pero también son las iniciales de Washington’s Rules of Civility, así que me parece bien poner todo ese significado en un título.
Si eliminases todos los solos de guitarra de este disco, ¿qué aspecto lo seguiría definiendo?
Para mí mi mayor énfasis en el álbum es que es un disco de canciones; los solos son probablemente la última cosa en la que pienso. Primero pensaba en encontrar las letras, luego ponerle una melodía, luego sacar los acordes detrás de esa melodía y eso a lo mejor sería solamente la estrofa de la canción. Luego tenía que volver a buscar acordes y la mayoría de las canciones las escribí con una guitarra acústica solo para tener el arreglo. Luego lo juntaba con la banda, aunque, de hecho, en las demos yo toqué la batería y el bajo; y ya lo último fue pensar en qué hacer en el solo, me gusta pensar en el solo al final, después de tener toda la estructura. Alguna vez he empezado con el solo, por ejemplo alguna canción de Racer X la he escrito alrededor del solo, lo que da como resultado un tipo de canción muy particular, pero creo que de esta forma [dejando el solo para el final] puedo crear muchos sonidos que no he hecho antes. Si escribo las canciones alrededor de los solos pueden sonar bien, pero acaba siendo el mismo sonido y es más difícil crecer, mientras que si compongo nuevas melodías, eso me lleva a lugares diferentes en los que no había estado antes.
Ahora que lo mencionas, ¿para este disco tuviste que aprender nuevas técnicas de guitarra? ¿Hubo algún momento en el que pensaste “nunca he tocado así”?
Desde luego me pasó con el slide. Muchas veces tocaba la melodía vocal en slide, lo que supuso un reto, ya que a veces tenía que saltar rápido de una cuerda a otra. Son detalles con los que no te voy a aburrir, pero desde luego fue el slide y ser capaz de tocarlo rápido. No todo el disco es así, pero hay partes muy rápidas y es bastante complicado usar el slide tocando rápido, lo que fue difícil. A parte de eso hice muchas canciones, porque las tocamos en directo en el estudio, y algunas de las partes las hice con una guitarra de doble mástil. Tenía que cambiar de un mástil al otro con las manos, darle al switch de la guitarra con las pastillas adecuadas, darle al pedal a la vez, cantar y luego tener que coger el slide. Si lo hubiese hecho con pistas superpuestas, hubiese sido más fácil porque lo grabas por partes y ya está, pero fue todo en directo, así que tuve que hacer esos cambios a tiempo real. Además también hubo mucha improvisación; la canción George Washington Rules, que tiene un rollo boogie rock n’ roll también tiene algunos cambios de acordes que son más estilo gospel. Podría haber tocado blues directamente y encajaría, pero quería seguir esas progresiones de acordes. Yo no crecí con ese tipo de estilo, así que tuve que estudiar un poco y sacar cosas que encajasen con él; eso me encanta, es una de las cosas que más me gustan.
Después de una carrera tan larga como la tuya es genial que todavía tengas cosas nuevas que aprender e intentar técnicas nuevas, eso quizá te mantiene en forma para tocar.
Es un nuevo disco, así que quiero tener nueva música. Obviamente hay algunas bandas que son famosas por tener un estilo consistente, por ejemplo ACDC, que no cambian mucho. Es decir, las canciones son nuevas, pero el patrón del estilo está dentro de un área muy pequeña y está genial, les ha ido tan bien que nadie, ni siquiera yo, quiere que cambien. Creo que en mi caso todavía estoy indagando un poco. No sé si alguna vez he hecho algo tan bueno como ACDC, así que todavía estoy intentando encontrar ese algo que mantener en mi estilo.
Creo que está muy bien poder experimentar con la música y con tu instrumento. ¿Cómo te mantienes en forma para tocar después de tantos años?
De nuevo, en el método de composición que utilizo empiezo con la letra. Eso para mí es muy inspirador, porque no sabes hacia dónde va a ir. Empiezas con esta idea que te da pistas de hacia dónde tiene que ir la música, pero podrías darle esa misma letra a diez compositores diferentes y ninguno saldría con la misma melodía, la letra va a llevar a cada compositor a un sitio distinto al que a lo mejor no habrían llegado sin esa letra. Me encanta esta forma de escribir porque funciona muy bien, nunca me quedo atascado, siempre van surgiendo ideas.
¿Hubo alguna canción en particular en este disco que te pareció más desafiante?
Espero que nada sea demasiado desafiante, porque si lo es entonces no quiero usarlo; para mí la música es mejor cuando fluye fácilmente. Hubo algunas cosas, de hecho, una de las canciones en las que casi me rindo fue en la canción If You Soak Bread in the Sauce. Tenía la estrofa y me encantaba, luego escribí la siguiente parte y empecé a grabarla, pero no podía cantarla porque me estaba partiendo de risa. Esta no era la versión terminada, era la primera versión de la canción. Todas las letras salieron del libro, pero por la forma en la que las había unido, empezaron a tener un sentido que yo no pretendía, de forma no intencional. Me empecé a dar cuenta de que surgía otro significado y no era lo que yo buscaba, pero me hizo reír tanto que no pude grabarlo. Pensé “quizá tengo que desechar esto, porque no puedo cantarlo, pero me encanta la estrofa”, así que me alejé un poco de la canción y cuando volví le di una vuelta y cambié la segunda mitad, y ahora la nueva segunda mitad es totalmente distinta a la anterior segunda mitad, que tuve que quitarla. Ahora me encanta, y de hecho la nueva parte que escribí ha acabado siendo mi parte favorita, así que estoy contento con ese fracaso inicial, porque creo que quizás iba con un poco de prisa y quería terminarlo rápido. Nunca me había pasado que tuviese una canción tan graciosa que no pudiese cantarla de la risa y no poder grabarla.
Tiene que ser un momento muy divertido pasártelo tan bien haciendo música, no solamente en el proceso de escribir canciones, sino también en el momento de cantar o dándote cuenta de las letras…
El motivo por el que me reía es porque era malísima, pensaba “esto es terrible, no me puedo creer lo malo que es” y me reía de lo horrible que era.
A lo mejor podrías sacar esa primera versión para que escucháramos lo malo que era.
Esa versión ya no está, la borré.
Si tu guitarra pudiese hablar, ¿de qué crees que se quejaría después de todos estos años?
(echa un vistazo a las guitarras que tiene de fondo) No lo sé, creo que todas están bien cuidadas. Hoy en día no se quejarían de esto, pero cuando era un chaval en muchas ocasiones no utilizaba estuches. Hacía conciertos de covers y llevaba muchas guitarras, pero si llevaba doce estuches de guitarra no me cabían en el coche, así que las ponía unas encima de otras sin estuche y me daba igual si se rayaban. Se quejarían de eso, pero ya no lo hago, ahora utilizo estuches cuando viajo.
¿Hay algún guitarrista actual o pasado que todavía sea una influencia para ti?
Creo que mi guitarrista favorito que suelo ir a ver a día de hoy es Eric Johnson, me encanta la forma en la que suena. He pasado muy poco tiempo aprendiendo sus canciones y creo que es porque prefiero escucharle a él tocarlas, si intentase tocarlas yo sería decepcionante. Me encantan, no solamente sus composiciones, sino la forma en la que toca, su estilo y su tono, por eso prefiero que sea él el que toque sus canciones. Me encanta escucharle, tiene cosas que son muy Eric Johnson, pero luego también puede que haga un blues al uso, por ejemplo tiene una canción llamada Texas en la que canta Steve Miller como vocalista invitado, hace algunos discos, no recuerdo el nombre del disco [Up Close], que es totalmente blues y es buenísima, y Steve Miller canta muy bien. Me inspira en la forma en la que no está intentando crear ningún estilo nuevo e innovador, simplemente coge un estilo antiguo y lo hace muy bien.
Estoy de acuerdo contigo en que es muy inspirador cuando estos artistas siguen manteniendo fresco un estilo que ya existe.
Me has recordado que antes en la entrevista cuando hemos hablado de innovación, de crear un nuevo estilo, todo eso son objetivos que podría tener un músico, pero a lo largo del día los objetivos pueden cambiar. A veces simplemente te apetece tocar blues y no quieres hacer ningún estilo nuevo, sencillamente coger un estilo antiguo; o a veces sí que quieres hacer algo nuevo, lo cual puede ser confuso, porque te preguntas “¿cuál es el estilo adecuado?” y no hay una respuesta correcta.
Creo que lo mejor es tocar y dejarte llevar, tocar y a ver a dónde te lleva la música.
Y luego también hay una parte referente a los negocios, ya que quieres que tus clientes estén felices. Por ejemplo, he estado trabajando en una nueva versión de mi canción de Racer X, Technical Difficulties, porque sé que tengo una gira próximamente, y sé que si toco esa canción la gente va a estar feliz, porque es la canción que conocen. Sin embargo, es una canción que he tocado tantas veces que ya no me resulta interesante, así que pienso en qué puedo hacer con ella de manera que al público le guste porque sigue siendo la canción, pero haciendo algo nuevo que me mantenga interesado. Es un reto, pero mientras estoy trabajando en ello me doy cuenta de que me lo paso bien. Por un lado tienes que hacer que no cambie demasiado para que a la gente le siga gustando, pero no haciéndolo exactamente igual para mantener mi interés.
Es un reto bastante grande, especialmente para alguien como tú que llevas tocando tantos años, es fácil cansarse de tocar tus propias canciones.
También depende de la calidad de la canción, porque si yo hubiese escrito Yesterday de The Beatles probablemente no querría cambiarla, porque es tan buena que la tocaría tal cual es y nunca intentaría cambiarla, ya está genial. Technical Difficulties está bien, pero hay espacio para mejorarla.
También es cierto que tú como músico quizá eres más crítico de tu propio trabajo que los demás. Por ejemplo si grabas algo y después lo escuchas años después y dices “tendría que haber hecho esto” o “tendría que cambiar esto otro”.
Te arrepientes, pero bueno, si te despiertas al día siguiente y respiras y te mueves, tienes otro día para ver qué puedes conseguir, así que sigues adelante.
Hablando del público y de mantenerlo feliz, ¿con qué quieres que se quede la gente de este álbum?
Estoy muy orgulloso de que el álbum esté grabado en directo en el estudio. Volví a regrabar las voces porque pensé que podrían quedar mejor si le daba otra vuelta, pero todas las guitarras y las baterías fueron grabadas en directo en el estudio y eso le da una gran energía. Para poder hacer eso tienes que haber ensayado mucho y pasar mucho tiempo con la banda, la cual hizo muy buen trabajo. Ensayamos juntos, pero ellos ya estaban muy preparados previamente, así que seguimos adelante y grabamos todo en cuatro días y medio. Bueno, fueron cinco días, pero la mitad de cada día era ponerlo todo a punto y superponer las voces de fondo. En realidad hicimos 14 canciones, porque hay un bonus track para Japón, así que grabar tanto material en cuatro días y con ese nivel de complejidad [me enorgullece]. Puede que haya una canción que es rock n roll al uso, pero la mayoría de las canciones son relativamente complejas, una de ellas es de 8 minutos y tiene un montón de cosas, y estoy orgulloso de que hayamos podido hacer música con ese nivel de sofisticación con una energía de directo. Para mí tiene algunas de las mejores melodías que he escrito nunca y también estoy muy orgulloso de las melodías vocales, porque las progresiones de los acordes son interesantes y pasé mucho tiempo pensándolos. Si es una canción sencilla (canta “Panama” de Van Halen), que son dos acordes, es más fácil sacar las armonías, pero (canta una frase larga de una de las canciones del disco como ejemplo) armonizar todo eso con los acordes que van por debajo lleva bastante trabajo y tuve que hacer uso de mi conocimiento musical más académico para poder sacar todo eso.
Sí, parece bastante complicado y de hecho esa canción…
Orderly And Distinctly.
Sí, es una de mis favoritas del disco. Ahora tengo una pregunta bastante específica, y es que he visto que últimamente utilizas pastillas mini humbucker.
Ah, Sí.
Y quería preguntarte por qué utilizas esas pastillas en lugar de otras.
No lo sé realmente, porque normalmente tiendo a encajar con lo que le haga feliz a la guitarra, tanto en sonido como en el aspecto físico. A veces hay una pastilla que se ve muy guay, pero en el momento en el que le pones mucha distorsión lo que más importa es que prevenga el feedback. Muchas veces no es solamente cómo suena, incluso con la guitarra PGM50 [su modelo signature de Ibanez] que tengo, esas pastillas están atornilladas directamente en la madera, lo que es muy bueno para prevenir el feedback. De hecho, hubo una guitarra que quise usar para el disco que tenía casi las mismas pastillas, pero estaba montada con anillo de pastilla, y también tenía un puente que daba mucho feedback, así que no pude utilizar esa guitarra, y no fue culpa de la pastilla sino de cómo estaba montada. Ese tipo de detalles pueden ser importantes en cierta situación en la que tienes que decidir la guitarra que vas a usar. Con las mini humbuckers, primero, me recuerdan a mis héroes de la guitarra Johnny Winter y Pete Townshend, porque ellos dos utilizan mini humbuckers a veces. Como son humbuckers previenen el zumbido, lo que es bueno, y al ser un poco más estrechas en frecuencia le da un sonido un poquito más definido. En esa canción estaba intentando usar una guitarra de cuerpo hueco, pero el ingeniero me decía todo el rato que no podíamos usarla porque era demasiado resonante. La primera parte de la canción tiene staccato y con esa guitarra se quedaba la cuerda sonando cuando no debía sonar, así que cambié a la Iceman, que tiene las humbuckers, y en realidad no fueron las pastillas, sino que fue el puente lo que marcó la diferencia, así que nunca lo sabes hasta que lo intentas.
Con respecto a este disco, ¿qué te emociona más de compartir esta música con la gente?
Espero que la gente lea las letras a la vez que escucha las canciones. Yo ya me he acostumbrado tanto que casi me he olvidado y ya no presto atención al significado, se ha convertido en música para mí, pero al principio cuando se me ocurrió la idea me parecía divertido que pudiese cantar sobre los modales en la mesa y ponerlo en una canción de rock. Aunque no todas las canciones son así de divertidas, hay una que se llama Spark of Celestial Fire, en la que la armonía final es una de las reglas de conducta más poéticas del libro y pude hacer una armonía vocal de tres partes. Esa sección es muy emotiva y preciosa, y espero que la gente pueda leer las letras mientras escucha las canciones, es algo extradimensional.
Creo que es divertido e interesante, porque yo tuve el privilegio de escuchar al disco antes de que saliese, y al principio pensé que los nombres de las canciones eran un poco raros, pero luego cuando me enteré de que era sobre las reglas de cortesía de Washington ya lo entendí. Creo que a la gente le va a resultar divertido, porque cuando lo escuchas se nota que te lo estás pasando bien haciendo esta música.
Por supuesto, y además hay una dimensión extra de emoción. La canción en la que he pensado se llama Let Thy Carriage, que es un título gracioso y no se refiere a carruaje de caballos, si no que se refiere a cómo te comportas. En realidad es una letra bastante seria (canta una parte que dice “one that becomes a man grave”, uno que se convierte en hombre serio), se refiere a ser un hombre serio y comportarte como un hombre serio. Por lo tanto, el significado es serio, pero como es un estilo de inglés antiguo y al ser una canción de rock, cuando la estás escuchando tu cerebro intenta encajar las piezas del contraste de una letra que dice que seas un hombre serio y una melodía animada. Esa combinación de elementos para mí casi parece que no debería funcionar, pero creo que ha funcionado muy bien.
Es un buen contraste, yo creo que funciona. Nos acercamos al final de la entrevista y me gustaría preguntarte ¿si pudieras enseñar una de las canciones del disco a ti mismo de pequeño cuál sería y por qué?
Lo primero en lo que he pensado ha sido en If You Soak Bread in the Sauce porque cuando era pequeño mi programa de televisión favorito era The Partridge Family. No lo hice a propósito, sino que a veces cuando estás escribiendo después te das cuenta de dónde sacaste una progresión de acordes. Primero la estrofa (la tararea) es básicamente los mismos acordes que el verso de la canción de The Partridge Family; el orden y otras cosas son diferentes, pero los acordes en sí son similares. La siguiente parte es casi los mismos acordes que el puente de la canción de The Partridge Family, así que como esa era mi canción favorita cuando tenía unos cuatro años, le diría “mira lo que he hecho con ella, he cogido esos acordes y he hecho una canción totalmente diferente y es bastante guay”. También si le enseñase el disco a mí mismo de adolescente estaría impresionado de que ahora puedo tocar con el slide así de bien, y ya ni siquiera de adolescente, si lo hubiese escuchado con 30 o 40 años, diría, “¿ese soy yo? ¿Puedo tocar con slide así?”
Muchas gracias por la entrevista.
Gracias a ti.
Gracias por tu tiempo, te deseo lo mejor con este disco. Espero que todo el mundo lo escuche, muchas gracias.
ENTREVISTA: SARA PINTADO
